Por JOCELYN NOVECK / AP
NUEVA YORK (AP) — Una de las primeras imágenes que vemos en «Costume Art», la nueva exposición de moda que se inaugurará en la Gala del Met del lunes, es un deslumbrante vestido de corte recto de Dolce & Gabbana, cuyas lentejuelas doradas brillantes rodean una imagen de Afrodita.
La diosa griega se yergue sobre un pedestal, sosteniendo una manzana dorada que le fue otorgada por su belleza, un ideal clásico de belleza tan antiguo como la antigua Grecia.
Pero la idea de «Arte del Vestuario», que examina el cuerpo vestido a través de siglos de historia del arte, no es celebrar la forma clásica. Más bien, según Andrew Bolton, curador de larga trayectoria del Instituto del Vestuario del Museo Metropolitano de Arte, se trata de utilizar esa forma como punto de partida.
“Ahora, procedemos a recuperar el cuerpo”, dice, mientras guía a un reportero por las relucientes galerías nuevas de Conde M. Nast que la exposición inaugurará.
El cuerpo corpulento. El cuerpo discapacitado. El cuerpo embarazada. El cuerpo envejecido. La nueva exposición, que los invitados a la gala podrán ver antes de su inauguración al público el 10 de mayo, es la muestra más abiertamente positiva sobre el cuerpo que el museo ha intentado realizar. Quizás su característica más destacada sea un grupo de nuevos maniquíes, basados en personas reales con una amplia variedad de tipos de cuerpo.
Incluso hay, en la sección de «cuerpos que envejecen», una enorme sudadera gris con la frase: «ESTOY JUBILADO. (Esto es lo más elegante que me visto)». Por si acaso estás cansado de todo el glamour brillante.
Bolton acompañó a The Associated Press en un recorrido por la exposición a finales de la semana pasada, mientras un gran equipo de instaladores trabajaba martillando, clavando, colocando y ajustando las 400 piezas expuestas. Aquí les presentamos algunos de los aspectos más destacados.Historias relacionadas
Un nuevo espacio que rinde homenaje a la moda.
El año pasado, la Met Gala, evento benéfico del Costume Institute, recaudó la cifra récord de 31 millones de dólares. Esta suma colosal —que aumenta cada año— explica por qué el museo ha otorgado a su único departamento autofinanciado unas nuevas y destacadas instalaciones, ubicadas en lo que antes eran locales comerciales en la planta principal, justo al lado del Gran Salón. «Estamos en el epicentro del museo», señala Bolton con evidente orgullo. Estas instalaciones albergarán todas las futuras exposiciones de moda, facilitando el acceso a los visitantes y permitiendo que las muestras duren más tiempo; la exposición «Costume Art» estará abierta al público durante 8 meses.
La universalidad de la diversidad
La exposición recorre siglos de historia del arte combinando objetos artísticos con prendas de moda, argumentando que la moda no solo es arte —de hecho, ese es el código de vestimenta de la gala— sino que, más profundamente, el arte es moda. Su primera sala principal lleva por título «El ser corporal en su diversidad» y comienza con vaporosos vestidos de estilo griego, acompañados de imágenes en jarrones o frascos griegos. Pero la muestra pronto se desvía de las formas clásicas hacia aquellas que la moda tradicionalmente ha ignorado.
El cuerpo embarazado, al descubierto
Bolton argumenta que el cuerpo de la mujer embarazada ha sido ignorado o estereotipado en el arte. Aquí, presenta a diseñadoras —a menudo mujeres, que trabajaron a finales del siglo XX o posteriormente— que exploraron y acentuaron la figura de la embarazada. El llamado «vestido de embarazada» de la diseñadora británica Georgina Godley, que apareció en su colección «Bump and Lump» de 1986, es una celebración directa de la barriga de embarazada. Se combina con una escultura de 1920, poco común para la época, del artista francés Edgar Degas, «Mujer embarazada»: una figura desnuda que sostiene su vientre y parece reflexionar sobre lo que está por venir.
El cuerpo corpulento, sin restricciones
Entre las prendas expuestas se encuentra la corsetería de la diseñadora Michaela Stark, quien posó para tres de los nuevos maniquíes. Uno de ellos luce el conjunto de corsé «Gorda, no fértil», que desafía el estereotipo de que un cuerpo grande representa la reproducción y la fertilidad. Stark utiliza corsés para ceñir la carne y acentuarla, no para ocultarla, con el fin de «devolverle el poder a la figura femenina». El conjunto se complementa con una antigua estatuilla de mármol que se asemeja al mismo tipo de cuerpo.
El cuerpo discapacitado ocupa un lugar central.
Un subconjunto destacado de la sección «Cuerpo Recuperado» explora el cuerpo discapacitado, que a su vez se divide en diferentes tipos de discapacidad: física, sensorial y cognitiva.
En una de las escenas, un maniquí inspirado en la atleta paralímpica, modelo y actriz Aimee Mullins luce unas botas de Alexander McQueen de estilo victoriano, que en realidad son prótesis. El atuendo se complementa con la escultura de 1965 «El amputado», de John Gutmann.
La activista irlandesa por los derechos de las personas con discapacidad, Sinéad Burke, quien nació con enanismo, también posó para dos maniquíes. Uno luce una gabardina Burberry, recortada para alargarla, e incluye parte de una manga desechada, convertida en tocado. El otro lleva un vestido de Vivienne Westwood y Malcolm McLaren con el estampado de Mickey y Minnie, junto a una estatua del antiguo Egipto que representa a un enano bailando.
La modelo y activista Aariana Rose Philip, usuaria de silla de ruedas, también posó para un maniquí, sentado en su propia silla, luciendo unos pantalones cortos vaqueros y una camiseta con el lema: «Capital Queer». La exposición se complementa con una obra de la artista Lucy Jones, quien, al igual que Philip, padece parálisis cerebral.
La diseñadora escocesa Nadia Pinkney explora una discapacidad menos visible con un abrigo que rinde homenaje, en su colección «Remember Me Knot», a su abuela y bisabuela, quienes padecieron Alzheimer. El estampado del abrigo, derivado, según los curadores, de escáneres cerebrales, busca reflejar las «conexiones fisiológicas» que la enfermedad provoca en la estructura del cerebro.
Se exhibe junto con una litografía de Willem de Kooning, cuya propia experiencia con el Alzheimer influyó en su obra de la última etapa de su carrera.
El cuerpo vital: colorido y sangriento.
La segunda galería principal no se centra tanto en la diversidad como en lo que nos une a todos. Como el envejecimiento, que la exposición busca reinterpretar como «una forma de sofisticación más que de declive biológico». Y la mortalidad. También hay una sección entera dedicada, precisamente, a la sangre.
Esto incluye la chaqueta de noche “Martyr to Love” de Westwood, donde las cuentas brillantes representan un torso musculoso y las cuentas de color rojo intenso simulan la sangre que gotea de una herida. Se combina con la obra “Hombre de dolores con los brazos extendidos” del pintor alemán Albrecht Dürer.
La exposición “Costume Art” abre sus puertas al público el 10 de mayo y estará abierta hasta el 10 de enero de 2027.
Fuente: https://apnews.com/article/met-gala-exhibit-2026-body-types-5c4b7a5dc590ef0ee95d1cd677340aeb